Passez du temps à travailler parmi des designers professionnels et vous apprenez que l'assimilation de l'art au design est un moyen infaillible de remuer le pot et d'entendre des déclarations audacieuses telles que:

• «Le design est ne pas art. Le design doit fonctionner. »
• 'L'art est destiné à provoquer la pensée et les émotions, mais il ne résout pas les problèmes.'
• «Les artistes travaillent principalement par instinct, tandis que les designers utilisent un processus méthodique et basé sur les données.»

Malheureusement, la discussion entre le concepteur et l'artiste se transforme souvent en déclamations et en délire. Des lignes sont tracées, des drapeaux de combat sont levés et un dialogue productif devient impossible.

Que se passe-t-il vraiment ici? Pourquoi l'art et le design ont-ils été opposés, et pourquoi designers si catégorique que le design ne peut pas être de l'art? Ces questions sont le point de départ d'une conversation réfléchie entre les concepteurs d'ApeeScape Micah Bowers et Miklos Philips.

Bowers est un designer de marque et illustrateur qui croit que l'art englobe de nombreuses disciplines créatives, le design en étant une, et donc le design est un art.

Philips , concepteur UX et rédacteur en chef du Blog de conception ApeeScape , prend la position que l'art et le design peuvent se croiser, mais ce sont des domaines nettement différents.

Avec nos concurrents sur le ring, il est temps que le débat commence. Messieurs, touchez les gants et allez dans vos coins.

Est-ce que le Design Art?

Micah: Le design est un art. L'art est le design. Aucune exception.

Soyons clairs: je suis conscient de l’impopularité de ma position, en particulier parmi mes collègues de conception. J'ai assisté à des discussions, lu des livres, parlé avec des collègues et suivi des cours déterminés à établir les différences irréconciliables entre l'art et le design. Chaque fois que je partage mon point de vue, le contrecoup est rapide et féroce, mais je reste insensible aux contre-arguments (bonne chance, Miklos).

L'insistance sur une distinction entre l'art et le design a été comme une fièvre constante et modérée qui m'a dérangé pendant les 15 dernières années - d'abord à travers ma formation en design industriel, puis lors d'un diplôme d'études supérieures en beaux-arts, et dans ma carrière dans le branding et illustration.

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Ma position est la suivante: un grand design est avant tout de l'art. Sur quoi cette croyance est-elle enracinée? Une compréhension philosophique de l'art.

La quête pour définir l'art est imprégnée de siècles de débats. Le philosophe grec Platon croyait que l'art est essentiellement le reflet d'un reflet de ce qui est réel. Mais ses opinions sont largement contestées, et comme nous devons commencer quelque part, nous devons viser une compréhension qui reconnaît l'histoire et la diversité de la pensée et de la culture mondiales.

Paraphrasant le Encyclopédie de philosophie de Stanford nous conduit ici:

L'art existe et a existé dans toutes les cultures humaines connues et se compose d'objets, de performances et d'expériences qui sont intentionnellement dotés par leurs créateurs d'un haut degré d'intérêt esthétique.

En vertu de cette définition, le design est indéniablement un art. Il peut être trouvé dans toutes les cultures humaines. Il est utilisé pour créer des objets, des performances et des expériences. Et, les concepteurs insufflent intentionnellement une quantité importante d'intérêt esthétique à leur travail.

Ici, le cri inévitable se fait entendre: «Attendez! Vous vous êtes défait par un seul mot. Esthétique!'

Les designers aiment faire des hypothèses radicales en matière d'esthétique, alors permettez-moi de construire une sauvegarde.

Tout comme l'art, le concept d'esthétique est un domaine complexe de la pensée philosophique et ne peut pas être réduit au stéréotype du concepteur selon lequel il signifie «rendre les choses jolies».

En fait, l'esthétique recouvre de nombreuses questions essentielles au débat «art vs design»:

• «Est-il possible de déterminer un jugement esthétique à partir d'un jugement pratique?»
• «Sur quelle base jugeons-nous entre l'utilité et la beauté?»
• Et «Comment les croyances fondamentales par lesquelles nous émettons des jugements esthétiques sont-elles influencées par le temps, la culture et l'expérience de la vie?»

Voici ce que je veux dire: dans le monde du design contemporain, l’art a été étroitement défini et injustement réduit à une caricature pathétique à l’aquarelle. Les concepteurs ont gonflé avec désinvolture l'importance de leurs propres disciplines (dont la substance varie à un degré comique) au fil des siècles de pratique artistique, d'enquête philosophique et de compréhension culturelle. Le design est un art. L'art est le design. Aucune exception.

Miklos: Le design doit remplir une fonction. Pas de l'art.

Tout d'abord, nous devons séparer ce type du design dont nous parlons. Je peux voir dans le cas du graphisme, illustration , et l'image de marque peut-être le design est un peu «art», mais si nous parlons de conception plus fonctionnelle, comme la conception de produits numériques ou la conception industrielle, nous devons aller beaucoup plus loin, et cela devient clair: Le design n'est pas un «art».

Un bon design fait partie de la science, du processus et d'un ensemble pratique de solutions avec une touche d'esthétique. Au-delà de la surface, un concepteur découvre inévitablement qu'un bon design consiste davantage à apporter des solutions aux problèmes.

Le design est un processus, pas un art.

As a Concepteur UX , J'ai toujours besoin de creuser plus profondément, au-delà de la façade que l'on pourrait appeler un potentiel «design» et de regarder la vue d'ensemble de manière holistique: le public cible, les scénarios de cas d'utilisation, le contexte et l'appareil pour lequel le design est destiné: TV aux mobiles, des ordinateurs de bureau aux tablettes, aux distributeurs automatiques de billets, etc. la conception des produits , n'oublions pas la validation et les tests d'utilisabilité. Si le design était juste l'art, comment pourriez-vous le tester?

Si le design était purement artistique, qu'en est-il de la convivialité? heuristique ? Des concepts d'utilisabilité UX tels que la rétroaction, la cohérence et les normes, la prévention des erreurs, le contrôle utilisateur, la flexibilité et la prévisibilité sont-ils hors de portée? Le design n’est-il pas là pour servir les gens? Si vous voulez être un artiste, soyez cela, mais ne vous appelez pas designer. Soyez peintre ou sculpteur.

'Il y a de la beauté quand quelque chose fonctionne et cela fonctionne intuitivement,' dit Jonathan Ive.

La partie «travailler intuitivement» seule ne peut pas être réalisée par «l’art»; il repose sur la recherche et les tests d'utilisateurs. Une bonne conception est également basée sur les données. De plus, dans un proche avenir, l'IA transformera la façon dont la conception est fournie. Ce sera super-personnalisé et anticipatif . Le design en tant qu '«art» pourra-t-il faire cela? Je ne pense pas.

Vous ne pouvez pas dire que la conception de l’interface utilisateur d’un distributeur automatique de billets est de l’art. Sûrement, l'esthétique et le design émotionnel entrent en jeu. autres articles sur le blog de conception ApeeScape ont déjà mentionné - parce que l'esthétique joue un rôle dans la conception dans la mesure où les conceptions avec une meilleure esthétique font qu'un produit semble «mieux fonctionner». Mais encore, la fonction de la conception et le contexte d'utilisation doivent être pris en compte.

Par exemple, dans le livre fondateur de Don Norman ' La conception des choses de tous les jours », Il parle du design et du concept d'affordances. (Le concept d'affordance a été inventé par le psychologue perceptif James J. Gibson dans son livre révolutionnaire L'approche écologique de la perception visuelle .) Norman écrit:

Les affordances fournissent des indices forts sur le fonctionnement des choses. Les plaques sont pour pousser. Les boutons servent à tourner. Les fentes servent à insérer des objets. Les poignées sont destinées au levage. Les balles sont pour lancer ou rebondir. Lorsque les financements sont exploités, l'utilisateur sait quoi faire rien qu'en regardant: aucune image, étiquette ou instruction nécessaire.

Ainsi, les affectances sont des «propriétés perçues» d'une fonction dans la conception, et elles doivent être signalées à l'utilisateur avec des «signifiants», qui fournissent des indices à l'utilisateur de l'existence d'une interaction possible. Je ne sais pas comment on pourrait marier les concepts d’affordances et de signifiants avec «art». Ce sont des concepts de conception d'interaction essentiels dans le domaine de l'IHM (interaction homme-machine). Ils n'ont rien à voir avec l'art.

En tant que concepteur UX, je rejette la notion. Je veux dire, pouvez-vous imaginer un distributeur automatique de billets conçu dans le style cubiste par Picasso? Ne pas dire que ce ne serait pas intéressant, mais ce ne serait pas très efficace ou fonctionnel.

Qu'est-ce qu'un bon design?

Micah: L'art résout les problèmes. «Une bonne conception» est simplement une voie vers une solution.

Un distributeur automatique de billets dans le cubisme de Picasso? Maintenant cette serait un bon design! Je peux imaginer les mains d’un artiste capable exploitant la dissonance stylistique du cubisme dans une hiérarchie visuelle clairement définie qui ravit les utilisateurs avec des points d’interaction sans ambiguïté. Enfin, nous pourrions dire au revoir aux sanctuaires de boutons fades et déroutants auxquels nous sommes tous habitués.

Fait intéressant, une telle idée n'est pas sans précédent. Dans les villes du monde entier, les installations d'art public ont été utilisées pour améliorer les expériences auparavant négligé ou confus par la conception. La Chemin Van Gogh , créé par l'artiste néerlandais Daan Roosegaarde, en est un parfait exemple.

Inspiré de la Nuit étoilée de Van Gogh, le chemin traverse Nuenen, NL (une ville où l'artiste a vécu dans les années 1880) et est composé de milliers de petites roches peintes qui captent l'énergie du soleil pendant la journée et s'illuminent la nuit.

Si c'était tout le projet englobé, ce ne serait guère plus qu'un bel effet d'éclairage, mais la portée de la vision artistique de Roosegaarde est beaucoup plus large. Van Gogh Path est une preuve de concept au sein d'un projet plus vaste appelé AUTOROUTE INTELLIGENTE , un effort ambitieux visant à réinventer le paysage néerlandais en mettant en œuvre un système durable de routes lumineuses et interactives.

Les plats à emporter? L'art et les artistes ont la capacité de résoudre des problèmes importants.

La résolution de problèmes nécessite des connaissances, de l'expérience, des compétences, des recherches, des risques et une compréhension du comportement humain, mais malheureusement, de nombreux concepteurs ne reconnaissent pas que les artistes utilisent une méthodologie de résolution de problèmes dans leur travail, même si les artistes recherchent systématiquement des solutions créatives depuis des siècles. , bien avant que la distinction de «designer» ne soit à la mode.

Besoin d'une preuve?

Encore une fois, nous nous tournons vers un artiste hollandais, maître de la lumière et peintre de la une fille avec une boucle d'oreille , Johannes Vermeer. Vermeer vécut au milieu du XVIIe siècle, connut un succès modeste en tant que peintre et mourut sous une montagne de dettes. Près de deux siècles après sa mort, cependant, l’œuvre de Vermeer a été redécouverte et sa position en tant que l’un des grands peintres de tous les temps a été cimentée dans les annales de l’histoire de l’art.

Mais une chose étrange s'est produite. Plus les gens étudiaient Vermeer et son travail, plus ils se rendaient compte que ses peintures et son procédé ne ressemblaient vraiment à aucun autre artiste. Comment?

• Vermeer n'avait aucune formation artistique formelle et n'avait apparemment pas suivi d'apprentissage de peintre.
• Son corps de travail est assez petit, composé de moins de 50 peintures au total.
• Il n'a jamais eu d'élèves ou d'apprentis à lui.
• Presque toutes les peintures de Vermeer ont été mises en scène dans l’une des deux pièces de sa maison.
• Il n’existe aucun dessin ou croquis préparatoire attribué à Vermeer.
• Les radiographies des peintures de Vermeer ne révèlent ni sous-dessins ni corrections de composition.
• Ses peintures contiennent des distorsions d'éclairage et de perspective qui ne peuvent être vues qu'à travers des lentilles artificielles.
• Enfin, Vermeer était un ami proche d'Antonie van Leeuwenhoek, un scientifique néerlandais connu pour ses travaux novateurs dans les domaines de la fabrication de lentilles et de la microscopie.

Qu'est-ce que tout cela signifie? Vermeer a probablement utilisé une forme avancée, et encore inconnue, de chambre noire pour créer ses chefs-d'œuvre. C'est une théorie controversée, mais il y a de nombreuses preuves de Plusieurs sources pour soutenir une telle affirmation.

En quoi est-ce pertinent pour notre débat? Vermeer a inventé un appareil et un procédé qui sont restés non détectés et non dupliqués pendant plus de 350 ans et lui ont permis de créer certaines des peintures les plus emblématiques et les plus techniquement exquises au monde sans aucune formation formelle. C'est le summum de la résolution de problèmes.

Le design est une forme d'art, une méthode d'expression humaine qui suit un système de procédures hautement développées afin de donner une signification aux objets, aux performances et aux expériences. Comme toutes les formes d'art, le design a le potentiel de résoudre des problèmes, mais il n'y a aucune garantie qu'il le fera.

Plus que tout, je veux que les designers se rendent compte que l'art n'est pas une sous-culture insignifiante du design qui rejette préoccupés par la peinture au doigt de leurs sentiments. En fait, une vision basse de l'art est aussi une vision basse du design, de la science, de l'histoire et de la culture qui limite considérablement le potentiel créatif et le progrès interdisciplinaire.

En fin de compte, l'art résout les problèmes. «Une bonne conception» est simplement une voie vers une solution.

Miklos: Une bonne conception est impartiale et offre ce dont les gens ont besoin.

Remarquez que je n'ai pas dit «ce que les gens veulent» comme la chanson des Rolling Stones qui dit: «Vous ne pouvez pas toujours obtenir ce que vous voulez… vous obtenez ce dont vous avez besoin.» Les gens ne savent pas toujours ce qu’ils veulent, c’est à designers pour savoir exactement ce dont ils ont besoin.

Au fait, comment les peintures résolvent-elles les problèmes? Je ne vois pas cela.

Un bon design est subjectif dans une certaine mesure, mais à mon avis, le «bon design» est compris en cours de route dans un processus de conception itératif avec beaucoup de validation / tests. C'est du «design thinking». Il existe depuis des décennies. C’est quelque chose qui fonctionne, où les choses se réunissent de la bonne manière, au bon moment, au bon moment.

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Un bon design est définitivement ne pas sur l'art ou l'esthétique uniquement. C'est juste la surface. Une bonne conception doit être jugée en fonction de plusieurs facteurs tels que la base d’utilisateurs prévue, l’environnement, le contexte d’utilisation, le support et l’appareil sur lequel il doit apparaître. Par exemple, dans le cas d'un distributeur automatique de billets, l'esthétique peut ne pas avoir autant d'importance - les gens doivent faire avancer les choses et les choses doivent simplement fonctionner pour eux. Il doit être super fonctionnel, rapide et efficace.

Un bon design dans mon esprit est un design qui est équilibré de la bonne manière entre l'esthétique et le design interactif. Pour continuer à utiliser l'exemple d'un distributeur automatique de billets, dans ce scénario, le «look» est moins important et devrait prendre la part appropriée en termes d'importance sur l'échelle d'équilibrage, et la conception de l'utilisabilité et de l'interaction (conception fonctionnelle) devrait prendre la plus grande proportion.

Nous pourrions également opposer «bon design» à «mauvais design». Une mauvaise conception est un pandémonium. C'est du désordre. Cela peut être frustrant ou ennuyeux. Cela ralentit les gens et les épuise émotionnellement. Il peut en fait être moche, ou simplement insignifiant et ne mérite donc l’attention de personne. Pour votre public, une mauvaise conception est un obstacle plutôt qu'une autonomisation.

La conception est-elle subjective ou objective?

Miklos: C'est un mélange des deux dans des proportions variables.

L'art et le design sont inextricablement combinés. Je considère le design comme une entreprise holistique qui comprend 'art.' Le design est à la fois subjectif et objectif mais devrait être objectif principal . Une bonne objectivité de la conception est obtenue grâce à la recherche des utilisateurs (définition de la base d'utilisateurs cible, connaissance des utilisateurs du produit, observation du contexte d'utilisation), en passant par les étapes essentielles d'un processus de conception centré sur l'utilisateur (UCD) et des tests utilisateur.

Un design peut naître de l'esprit d'un brillant designer, mais son utilisation pratique doit encore être validée. Si la conception n'était que subjective, il n'y aurait pas besoin de tests d'utilisabilité (ce qui dérangerait très probablement le concepteur car il trouverait que la conception ne fonctionne pas). Le design viendrait d'une personne, ce qui, pour moi, est une idée ridicule et rétrograde. Les designers qui sont 100% subjectifs sont arrogants.

Cependant, un petit pourcentage de subjectivité Est-ce que entrent en jeu - l'esthétique joue un rôle, et c'est peut-être là que conception émotionnelle arrive. C'est à cette étape que la sensibilité, «l'art» et la subjectivité du designer sont mis au premier plan. Les grands designers «habillent» ou «mettent une façade» sur la conception fonctionnelle sous-jacente pour créer quelque chose qui fonctionne à tous les niveaux émotionnels - viscéral, comportemental et réfléchissant - pour offrir un produit avec une UX incroyable.

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Certains designers croient au bon design doit soyez objectif. Je ne crois pas cela. Il y a une touche de génie dans Starck Les créations de Jonathan Ive. Ils apportent une touche de subjectivité à leurs créations qui a à voir avec le goût. L'une des plus grandes insultes de Steve Jobs a été d'accuser quelqu'un de n'avoir aucun goût.

Micah: L'art et toutes ses disciplines (design compris) allient objectivité et subjectivité.

Je ne sais pas comment cela s'est passé, Miklos, mais il semble que nous ayons trouvé une sorte de terrain d'entente, et je suis agréablement surpris.

L'art et toutes ses disciplines, y compris le design, exigent un mélange d'objectivité et de subjectivité. Bien sûr, il y aura des designers qui rouleront des yeux et déclareront: «L'art est purement subjectif. Cela peut signifier différentes choses pour différentes personnes. ' Le contrepoint évident? «Pareil pour le design!»

Mais regardons de plus près.

Lorsque les concepteurs affirment que l'art doit être subjectif, ils se réfèrent généralement à la façon dont les gens jugent résultat des efforts d’un artiste. Cette manière de penser l'art met un accent suprême sur les résultats. En d'autres termes, l'art est synonyme d'objets, de performances et d'expériences. L'art est une peinture. L'art est une danse. L'art est un spectacle de lumière.

Vu de cette façon, l'art est subjectif. Je pense que le gothique américain est effrayant, mais vous le trouvez inspirant. Je pense qu’une chaise Eames est élégante, mais vous vous sentez kitsch. Je pense que l’interface WhatsApp est déroutante, mais vous n’avez jamais rien vu de plus élégant. L’art est un résultat, les résultats sont ouverts à l’interprétation, et tout le monde a raison!

Heureusement, la définition de l’art que j’ai proposée au début de ce débat est plus nuancée, alors rafraîchissons-nous la mémoire:

L'art existe et a existé dans toutes les cultures humaines connues et se compose d'objets, de performances et d'expériences qui sont intentionnellement dotés par leurs créateurs d'un haut degré d'intérêt esthétique.

Notez les mots en gras. Artistes «Doter intentionnellement» leur travail avec un sens à un degré élevé. En d'autres termes, ils améliorent ou enrichissent délibérément. Il y a une intention mariée à l'action.

Compris plus complètement, l'art n'est pas un résultat. L'art est un processus et le processus de l'art déborde d'objectivité.

Vous n'êtes pas d'accord? Considérez les siècles de pratiques reproductibles, d'outils standardisés, de réactions chimiques et découvertes scientifiques due à l'art. Dans la mesure où il peut y avoir des réalités indépendantes de l'esprit (la définition de l'objectivité), l'art est objectif parce qu'il dépend du processus.

Si un céramiste fait cuire un plat sans le laisser sécher au préalable, il explosera.

Si une pianiste place ses doigts sur les bonnes touches, elle jouera l'accord voulu.

Si un concepteur Web sélectionne Dingbats pour le corps du texte, de grandes parties du site de son client seront illisibles.

Le gros avantage, Miklos, c'est que je suis principalement d'accord avec vous. L'art, et par conséquent le design, est un mélange d'objectivité et de subjectivité parsemé de suffisamment d'ambiguïté pour que ce débat Art contre Design fasse rage pendant des années.

Conclusion

Il n'est pas du tout clair que ces mots - «Qu'est-ce que l'art?» - expriment quelque chose comme une seule question, à laquelle des réponses concurrentes sont données, ou si les philosophes proposant des réponses sont même engagés dans le même débat… La grande variété des définitions proposées devrait nous donner une pause. - Kendall Walton

À leur niveau le plus fondamental, l'art et le design cherchent à communiquer quelque chose, et quelles que soient les différences, ou qu'elles soient classées comme art fin, commercial ou appliqué - à leur meilleur, les deux formes suscitent une réponse émotionnelle.

Il a été avancé que la différence entre les beaux-arts et les arts appliqués est le contexte et a plus à voir avec les jugements de valeur portés sur le travail lui-même que toute distinction incontestable entre les deux disciplines. En outre, comparer «l'art» et le «design» est, bien qu'une entreprise ambitieuse, peut-être une quxotique, car aucun ne peut être défini absolument parce qu'ils changent constamment - les limites sont constamment repoussées et, espérons-le, continueront de l'être dans le futur. Ce débat, après tout, est intemporel.

Comment décidons-nous ce qu'est l'art et ce qu'est le design, et pourquoi la relation entre les deux est-elle si fracturée? Est-ce la différence entre ce qui est fonctionnel (design) et ce qui est non fonctionnel (art) qui crée la dissension? Une table basse Noguchi ou une chaise Rennie Mackintosh est-elle simplement un objet fonctionnel, ou est-ce un art qui a une fonction?

Architecte, artiste et designer de Glaswegian Charles Rennie Mackintosh a été l'un des premiers partisans de l'architecture artistique intégrée. Il croyait à la pure intégration de la forme et de la fonction et a cherché tout au long de sa carrière à faire avancer la théorie de «la pièce comme œuvre d'art».

Frank Lloyd Wright croyait si fortement à l'unité de la forme et de la fonction qu'il a changé l'axiome souvent mal compris, «la forme suit la fonction» inventé par son mentor Louis Sullivan pour lire, «la forme et la fonction ne font qu'un». Son plan pour le Guggenheim «… Était de faire du bâtiment et des peintures une belle symphonie comme jamais auparavant dans le monde de l'art.»

En conclusion, ce n'est pas de l'art contre design, mais l'unité des deux qui est au cœur de toute conception supérieure. En d'autres termes, un bon design intègre l'art.

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Lectures complémentaires sur le blog ApeeScape Design:

• eCommerce UX - Un aperçu des meilleures pratiques (avec infographie)
• L'importance de la conception centrée sur l'humain dans la conception de produits
• Les meilleurs portefeuilles UX Designer - Études de cas et exemples inspirants
• Principes heuristiques pour les interfaces mobiles
• Conception anticipative: comment créer des expériences utilisateur magiques

Comprendre les bases

Un graphiste est-il un artiste?

Les graphistes sont avant tout des designers. Bien que les graphistes puissent intégrer l'art dans leur travail, le rôle principal d'un graphiste est de résoudre visuellement les problèmes de communication en utilisant des éléments de conception tels que le texte, les images, les couleurs et les formes.

Quelle est la différence entre les beaux-arts et le graphisme?

La conception graphique repose sur une méthodologie de conception pour résoudre les problèmes et créer des messages visuels clairs. L'art est similaire au graphisme en ce qu'il implique la création d'images, mais le résultat final peut être vu différemment par différentes personnes.

Quelle est la différence entre l'art et le design?

Le design se concentre sur la réalisation de solutions avec des résultats mesurables, tandis que l'art est plus soucieux d'exprimer des idées qui peuvent avoir plus d'un sens.

Qu'est-ce qui définit quelque chose comme art?

Définir quelque chose comme un art s'avère souvent difficile, mais en général, l'art est centré sur la transmission d'idées, d'émotions et d'expériences d'une manière qui permet de multiples interprétations.